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On examinera ici successivement le rôle historique de la musique pour les films muets (partie 1) tout en soulignant combien aujourd'hui la musique est souvent utilisée contre ces films muets (partie 2). La musique de film ne devient moyen de mise en scène qu'avec le film sonore (partie 3), trouve un plein épanouissement dans le film musical (partie 4) et reste souvent inoubliable grâce à quelques chansons ou morceaux musicaux célèbres de films (partie 5). Nous concluerons par la représentation des musiciens au cinéma (partie 6)

Critique à Positif et Psychologies magazine, Philippe Rouyer est chroniqueur régulier dans les émissions "Mauvais genres" sur France Culture et "Le Cercle" sur CANAL+ Cinéma. Il est l'auteur de "Initiation au cinéma" (Éd. Edilig, 1990) et de nombreux essais sur le cinéma de genre. Dans cette adaptation de Philip K. Dick située à Washington en 2054, Spielberg a essayé de représenter de la manière la plus réaliste notre futur. Un futur où la police emploie des médiums pour visualiser des crimes à venir, donc non encore commis. (Philippe Rouyer)

Le film « Les chemins de la liberté » sorti en 2011 est tiré d'une histoire vrai. Peter Weir a basé principalement son film sur le livre « À marche forcée » de Slawomir Rawicz, ancien soldat polonais envoyé aux goulags par les Russes et publié en 1956.

Le Stalker (le « guide », de l'anglais stalking : chasser à l'approche, marcher à pas de loup) est l'un des 3 personnages principaux du long métrage éponyme réalisé par Andreï Tarkovski, tourné en URSS de 1977 à 1979, et sorti en salle la même année. La trame de fond est très simple : un professeur et un écrivain décident de cheminer à la recherche d'une « Chambre des désirs » située au sein d'une « Zone », où seuls les Stalkers (génies aventuriers) possèdent les connaissances suffisantes pour y parvenir. La Zone est un lieu mythique, mystérieux, produisant d'innombrables légendes (disparitions inexpliquées, lien avec des extra-terrestres,..), et interdite à tout homme.

Gwenaële Rot est maître de conférences en sociologie à l'université de Paris Ouest. Ses recherches portent sur les représentations du travail au cinéma ainsi que sur l'étude des transformations du travail dans différents mondes de production : automobile, pétrochimie, nucléaire et cinéma. Alain Resnais a réalisé ce court métrage sur les matières plastiques, suite à une commande de l'entreprise Pechiney. Gwenaële Rot en retrace l'histoire à travers les controverses qu'il a suscitées à l'occasion de sa fabrication et de sa diffusion, et explicite l'originalité des partis pris cinématographiques du cinéaste.

Après avoir suivi une formation en archivistique et histoire contemporaine, Fanny Lautissier est actuellement doctorante au sein du Laboratoire d'histoire visuelle contemporaine (Lhivic, EHESS), sous la direction de Christian Delage. Sa recherche porte sur la mémoire et l'histoire des conflits dans le cinéma israélien. Le long métrage d'animation Valse avec Bachir (2008), du réalisateur israélien Ari Folman, est un récit semi-biographique sur des expériences individuelles de la guerre du Liban et du massacre de Sabra et Chatila. Fanny Lautissier revient sur la fusion des codes du documentaire et de la fiction, les modalités du récit d'un traumatisme, et l'imbrication des contextes mémoriels et historiques liés à la guerre.

Released in 1999, Fight Club is David Fincher's popular adaption of Chuck Palahniuk's cult novel, and one of the most philosophically rich films of recent years. This is the first book to explore the varied philosophical aspects of the film. Beginning with an introduction by the editor that places the film and essays in context, each chapter explores a central theme of Fight Club from a philosophical perspective.

Étonnante péripétie que celle qui mit Ridley Scott aux commandes d'Alien, un film originellement prévu pour Walter Hill. Rétrospectivement, il s'agit pourtant du film qui lui assurera une stature internationale qui ne se dément toujours pas aujourd'hui, et ce malgré une carrière aux allures de montagnes russes. Alien, film de commande donc, est certainement l'un des sommets de celle-ci, et une opportunité pour tenter de discerner un style, des obsessions à un cinéaste qui deviendra par la suite bien moins lisible. Avec ce qui demeure la maîtresse-œuvre de Scott, Blade Runner, Alien va confronter l'homme et le divin, l'hubris de l'humain parvenu à l'apex de son évolution face à l'incompréhensible et finalement omnipotent mystère de sa propre insécurité.

L'acteur de cinéma est un élément essentiel du dispositif cinématographique. Souvent bien mieux payé que le réalisateur, c'est autour de lui que s'organise le montage financier du film. C'est en effet souvent sur son nom que se construit la popularité d'un film. Luc Moullet, tenta avec sa Politique des acteurs (Éditions de l'Étoile, 1993) d'établir qu'elle pouvait être la part d'autonomie créatrice de l'acteur par rapport au cinéaste. Le Groupe de réflexion sur l'acteur de cinéma de l'Université Paris I, l'unité de recherche de l'université de Caen ainsi que Benoît Jacquot, Alain Bergala, Jean Douchet et Marie-José Mondzain lors du séminaire caennais consacré à l'acteur ont prolongé l'analyse du jeu de l'acteur que nous reprenons ci-dessous.

Spécialiste du genre burlesque et notamment de Jacques Tati, Stéphane Goudet est maître de conférences à l'université Paris 1. Ancien critique à Positif, il dirige également le cinéma Méliès de Montreuil. La machine, dans Mon oncle, est associée à l'un des seuls moments où Hulot travaille, dans la séquence des tuyaux qui revisite À nous la liberté et Les Temps modernes. Mais elle est également présente par le biais des voitures, préfigurant l'engin dont Hulot deviendra concepteur dans Trafic. (Stéphane Goudet)

Plusieurs cinéastes soviétiques ont mis en scène la Commune de Paris, qu'ils considèrent comme l'ancêtre de la révolution d'Octobre et le point de départ de leur histoire. Avec un art consommé du montage, La Nouvelle Babylone revisite cet épisode tragique de l'histoire du mouvement ouvrier avec une ferveur communicative et un sens aigu de la parabole. Historienne du cinéma, spécialiste du muet, Isabelle Marinone est enseignante à l'université Paris 3 Sorbonne Nouvelle. Elle a consacré sa thèse au cinéma libertaire et organisé en 2010 les Journées d'études "Anarchie et cinéma".

Le film dans le film est une variante de l'oeuvre dans l'oeuvre ou de la mise en abîme qui désigne la présence d'une œuvre dans une autre de même nature. Provenant du blason, ce motif se retrouve dans la peinture, la littérature et le théâtre. L'impromptu de Versailles, comédie en un acte et en prose où Molière se mettait lui-même en scène avec sa troupe au cours de la répétition d'une pièce devant être jouée devant le roi ou la pièce de théatre jouée dans Hamlet en sont sans doute les deux exemples théatraux les plus connus.

Elle s'appelait Sarah est un film français sorti dans les salles le 13 octobre 2010 et réalisé par Gilles PAQUET-BRENNER. Ce film est adapté du roman éponyme, publié en anglais en 2003 par l'écrivain Tatiana DE ROSNAY.

Film de Christopher Nolan sorti sur les écrans à l'été 2010, avec, en couple vedette, Leonardo DiCaprio et Marion Cotillard, Inception, désormais disponible en DVD et Blu-ray, n'est pas qu'un film d'action compliqué : il montre la folie de l'amour, ou comment la psychose menace au cœur du désir de fusion et de complétude, lorsque celui-ci est « réalisé ».

L'histoire du cinéma en relief débute en 1895 avec l'invention de l'anaglyphe en photographie. Les pionniers vont se succéder durant les années suivantes avec une première représentation publique dans un cinéma en 1915, un long métrage (perdu) en 1922 puis les premiers courts métrages MGM en 1935 (partie 1). Il faut néanmoins attendre 1952 et Bwana le diable de Arch Oboler pour que se produise le premier âge d'or du cinéma 3D (partie 2). Supplanté par le Cinémascope, le cinéma 3D ne survit que dans les séries Z ou les parcs d'attractions (partie 3). Au début des années 2000, le développement des techniques filmiques en 3D et, parallèlement, l'équipement des salles de cinéma en projecteurs numériques va ouvrir un second âge d'or de la 3D. (partie 4). Une esthétique de la 3D (partie 5) se dessine ainsi sur un corpus de films de plus en plus important (partie 6).

Comme toute production culturelle qui se respecte, le cinéma est le témoin de la réalité de son temps. Ainsi arrive-t-il, derrière la magie du divertissement, qu'un métrage opère le traitement de l'actualité sous une forme emblématique, détournée, voire subliminale. C'est pleinement le cas avec The Dark Knight, qui cristallise une défense de l'idéologie et de la politique menée par le gouvernement Bush ces dernières années. Et, puisque tout ou presque a été dit en ce qui concerne la réalisation, l'interprétation, la photographie ou encore le montage de ce film, il nous a semblé intéressant de réfléchir autour des mécanismes plus ou moins visibles qui en font une œuvre à caractère politico-moral.

1) Préalable : "Tout est nombre" - quelques justifications philosophiques 2) Analyse de la première séquence 3) Vers la connaissance du troisième genre ? Pi et Matrix

Il est de bon ton de mépriser le traitement de la psychanalyse par Hollywood en général et par Hitchcock en particulier. C'est oublier un peu vite que l'école américaine de psychanalyse a profité rapidement des enseignements de Freud et qu'elle est très en vogue parmi les intellectuels. C'est Hitchcock qui va le premier réaliser le premier grand film non pas "sur" la psychanalyse que "de" psychanalyse. Dans La maison du Dr Ewardes, le patient souffre d'un traumatisme inconscient qu'il va s'agir d'élucider. A la suite de ce premier film où le psychanalyste remplace le détective vont fleurir nombre de chefs-d'oeuvre hollywoodiens (Partie1).

Après une première année consacrée à l'étude de La part de fiction dans le cinéma documentaire, cet atelier du Lhivic se propose d'examiner la dimension narrative des récits documentaires. La démarche procède d'une problématique historienne, ouverte aux acquis de l'approche culturelle du cinéma. Les enjeux de la narrativité seront donc étudiés aussi bien en amont de la fabrication du documentaire (production, choix du réalisateur, etc.) qu'au niveau de son économie interne (structure du récit, dimension fictive, etc.) et en aval, lors de sa réception (construction du récit par la critique, la censure). Ces dimensions proprement cinématographiques s'articuleront toujours à un questionnement épistémologique et historiographique sur les écritures de l'histoire.