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L'acteur de cinéma est un élément essentiel du dispositif cinématographique. Souvent bien mieux payé que le réalisateur, c'est autour de lui que s'organise le montage financier du film. C'est en effet souvent sur son nom que se construit la popularité d'un film. Luc Moullet, tenta avec sa Politique des acteurs (Éditions de l'Étoile, 1993) d'établir qu'elle pouvait être la part d'autonomie créatrice de l'acteur par rapport au cinéaste. Le Groupe de réflexion sur l'acteur de cinéma de l'Université Paris I, l'unité de recherche de l'université de Caen ainsi que Benoît Jacquot, Alain Bergala, Jean Douchet et Marie-José Mondzain lors du séminaire caennais consacré à l'acteur ont prolongé l'analyse du jeu de l'acteur que nous reprenons ci-dessous.

A propos du livre de Bernard Benoliel, "Opération Dragon de Robert Clouse. Bruce Lee, l'homme cinéma", Yellow Now, Côté films, N° 17. 2011 Une monographie rend justice à Bruce Lee, acteur et cinéaste de génie, créateur de son propre mythe, et dont la courte vie se confond avec une lutte anticoloniale menée par les images, tout en menant une investigation organique et psychique de haute lignée.

A travers l'étude du film d'animation japonais, "Mononoke Hime", couramment traduit par "Princesse Mononoke", réalisé par Hayao Miyazaki, le professeur Chiwaki Shinoda nous révèle les différents thèmes abordés. Les personnages évoluent dans un univers sylvestre mythique, peuplé d'esprits, de démons, de dieux zoomorphes appartenant au fonds culturel japonais. Ainsi, retrouve-t-on un thème cher à la littérature japonaise : l'exil du prince. Ashitaka ayant été envoûté par l'empoisonnement du dieu sanglier, se voit banni de son village et condamné à l'exil dans la forêt. En même temps se posent les questions du devenir des exclus dans une société paysanne pétrie de préjugés. Une autre question, essentielle dans le film, est celle de la symbiose avec la nature et de l'équilibre complexe entre les activités humaines et le respect de cette nature. Complexe, car l'ambivalence marque souvent le comportement des uns et des autres acteurs de cet équilibre écologique. Un dernier thème se détache, et ponctue la fin du film, la destruction nécessaire au renouvellement de la nature.

Pour nous, l'émotion devant un film surgit quand, dans son déroulement continu, quelque chose nous fait soudainement signe. Un plan, une séquence, le jeu d'un acteur, un indice sur la construction du récit nous font comprendre les choix du metteur en scène qui s'imposent alors à nous pour nous emplir d'émotion.

La comédie est peut-être le genre le plus facile à définir a priori : tout le monde sait qu'une comédie est un film destiné à faire rire. C'est en tout cas le genre plus populaire (les films français qui ont fait le plus d'entrées depuis cinquante ans sont tous des comédies, depuis La Grande Vadrouille jusqu'à Bienvenue chez les ch'tis...), même s'il est loin d'être le plus prestigieux (les grandes récompenses officielles du type César ou Oscar, les prix dans les festivals lui échappent quasiment toujours). C'est en tout cas un genre qui a tenu un rôle très important dans l'histoire du cinéma. Historiquement, la première fiction du cinéma est une comédie : L'Arroseur arrosé, un film de… 42 secondes des Frères Lumière, faisait partie de la première séance payante du cinématographe du 28 décembre 1895. Par la suite, ce sont les films comiques, assurant à un large public un délassement franc et immédiat, qui vont faire le succès fulgurant de ce divertissement de masse. C'est le règne du « slapstick », héritier de genres populaires comme la farce ou le théâtre de Guignol : personnages très typés voire réduits à une silhouette, rythme effréné (la poursuite est une figure récurrente du genre), avalanche de gags simples et efficaces (chutes, bagarres, tartes à la crème). Certains acteurs et metteurs en scène vont toutefois faire évoluer le genre vers plus de subtilité, à commencer par Charles Chaplin.